Philomena: Investigación periodística dramático comica. (Dirección: Stephen Frears)

Anteriormente (hace un año) había hablado de la recurrente costumbre de los premios oscar por poner una "comedia dramática" entre sus nominados a mejor película cada año y aunque jamás he dicho que no sean buenas películas y casi siempre gozan de buenos y originales guiones, siempre he pensado que de cierta forma son películas que sobran entre esos nominados, que por muy buenos guiones que tenga no llegan a ser algo relacionado con "mejor película", sin embargo este año con Philomena a mi forma de ver tenemos la excepción. Para empezar gran parte de mi sorpresa por esta película se debe a su director Stephen Frears, un director que hasta el momento poco me llamaba la atención y las películas que he visto dirigidas por el me han resultado (incluso su altamente respetada película La reina) obras aburridas y lentas, especialmente Mrs. Henderson presenta. Sin embargo a pesar de las negativas expectativas que tenia con Philomena he logrado sorprenderme por la calidad de la historia, por la genial forma de contarla, por el buen guion y sus geniales diálogos y por supuesto por sus buenas actuaciones. 

En los años 50 una joven adolescente llamada Philomena debido a su inocencia e ignorancia queda embarazada luego de un encuentro pasional con un joven en una feria, debido a esto es enviada por su padre a un convento para que sean las monjas las que decidan que hacer con ella, la solución es esperar a que tenga su bebe, después arrebatárselo y darlo en adopción, tal y como lo hacían con decenas de niñas que llegaban con el mismo problema, 50 años después de haber ocultado la historia Philomena la quiere contar y quiere de alguna forma saber el paradero de su desaparecida hija. 

Una historia triste y dramática no debería ir más allá de ser una obra melodramática, desde sus primeros segundos la película promete ser una de esas películas en donde las lagrimas y la nostalgia abundan, o por lo menos así parece hasta que sus personajes principales Philomena (Judi Dench) y Martin (Steve Coogan) empiezan a hablar. Afortunadamente para el cine esta película conjuga dos de las mejores y más inteligentes actuaciones de este año junto con unos diálogos que enorgullecerían al mismo Woody Allen si fueran obra suya.

Judi Dench personifica uno de sus lados más tiernos e inocentes en toda su carrera, Philomena es al mismo tiempo, ternura, compasión, catolicismo y libre pensamiento (por contradictorio que suene) mientras Steve Coogan el periodista que ayudara a Philomena a encontrar a su hijo personifica la razón y la justicia; ambos pondrán en pantalla una de las mejores parejas (no románticas) de la historia del cine y constantemente durante la hora y cuarenta minutos de duración de la película nos llenaran de risas y lagrimas con esos diálogos que oscilan en cuestiones de segundos entre la comedia más fina y más inteligente a el drama y la tragedia dignos de una película sobre una mujer a la que le arrebataron si hijo.

Una espectacular comedia, una triste historia que no se acerca a una historia esperanzadora, unas impecables actuaciones en pantalla, una historia muy bien contada pero sobretodo una directa y dolorosa crítica a la iglesia católica, de esas que esgrimen la espada sin miedo y que nos deja al descubierto uno de tantos misterios de esta gran institución que deberíamos conocer.

Calificación. Philomena: Martin creo que debemos contar esta historia.

The Broken Circle Breakdown (El circulo del amor se rompe): Una historia de amor con banjos y tatuajes. Director: Felix Van Groeningen

Encontrarnos con The Broken Circle Breakdown es encontrarnos con una típica historia de amor, una de esas que tienen éxitos y fracasos, una de esas en las que a un hombre y a una mujer parece que estuvieran destinados a luchar por su amor y a sufrir por el, es verdad, no es nada diferente a lo que ya se haya visto, pero The Broken Circle Breakdown tiene dos grandes razones para hacer de esta historia de amor una experiencia totalmente diferente, las razones son sus dos protagonistas Elise y Didier.

Elise y Didier representan una pareja que al parecer se sale de lo acostumbrado, él, un vaquero que a pesar de su nacionalidad belga tiene una extraña afición por Estados Unidos y la música country, ella una joven aficionada a los tatuajes que muestra constantemente un respeto por un mundo espiritual que ni siquiera entiende. Los dos toman las riendas de una relación a veces destructiva, a veces esperanzadora en donde por cuestiones obvias ella toma el papel de los sentimientos y él el papel del sentido común.

Evidentemente se trata de una película en donde el amor toma protagonismo a lo largo de 8 años en la vida de Elise y Didier y es gracias a la narración no lineal de la película que en ningún momento nos enfrentamos a otra historia de amor cursi e incluso fantástica para muchas personas (consultar películas escritas por Nicholas Sparks) sino que al contrario la película permite que otros elementos que son dignos de una historia de amor como la pasión, las discusiones, las amistades, los grandes fracasos y por supuesto la inmensa y constante simbología que rodea las aficiones de los protagonistas como los tatuajes de Elise y la espectacular música country de Didier (que incluso dan ganas de tenerla en el playlist del iPod) también hagan parte de la historia.  

La película funciona de principio a fin y sin duda nos deja entrar de manera positiva en la vida de sus protagonistas a pesar de que en momentos se le quiere dar más importancia a temas irrelevantes principalmente relacionadas con el gobierno estadounidense, el clero y las células madre, que a pesar de ser una excusa para pasar a temas más importantes simplemente quedan sin ninguna conclusión alguna.

Una buena excusa para ver cine belga, para dejarnos llevar por esta historia, para disfrutar buena música y buenas actuaciones y para sufrir y reír con Didier y Elise

Calificación: Un tatuaje difícil de borrar.

The Wolf of Wall Street (El lobo de Wall Street): Otra película de gangsters por Scorsese pero estos son de cuello blanco.

Martin Scorsese es un genio del cine que le a traído a este mundo tantos éxitos cinematográficos que en momentos resulta difícil pensar que puede traer algo nuevo y diferente (y mucho más difícil  si tiene en cuenta que casi nadie en el Hollywood actual lo hace), sin embargo todas sus películas han demostrado que tal vez no haya nada que detenga a este hombre ya que no es fácil creer que obras como Hugo, La Isla Siniestra y Los Infiltrados sean proyectos de una misma persona. Por supuesto su más reciente película El Lobo de Wall Street no es la excepción, a sus 71 años el director italoamericano realiza la película más retorcida que se le haya podido ocurrir sin embargo en medio de todo eso el director nos trae una de las evaluaciones morales de la sociedad más complejas hasta hoy en día. 

Jordan Belfort se llama el protagonista de esta película, un personaje que casi desde los primeros minutos hace olvidar quien es Leonardo Dicaprio y deja claro porque tal vez es su mejor papel hasta la fecha (a pesar de lo bien que estuvo en El Gran Gatsby), Jordan es el puro retrato del ladrón de cuello blanco, de la vida de lujos y de excesos, del poder monetario y de la clase alta (que como ya lo había dicho anteriormente parece el tipo de papel mas adecuado para Dicaprio), llevado hacia el más controversial y excesivo extremo, un hombre que se cobija con la adicción al dinero, que no tiene límites, que no tiene miedos ni tabúes y que por supuesto tiene carisma de sobra.

Resulta complicado entender que se trate de una película seria y dramática sobre la vida real de alguien cuando un 70% de la película se encarga de mostrar la vida excesiva de Belfort y compañía (sobre todo el siempre gracioso Jonah Hill que con este papel extrañamente logra más nominaciones al Oscar que Gary Oldman y Robert Redford), sus recurrentes orgías en la oficina, sus bacanales de drogas, sexo, fiesta y dinero; no es nada fácil hacer entender que lo que se está viendo pasaba en la vida real, que esos señores bien vestidos con autos de lujo y hermosas esposas, en el fondo eran (o son) en realidad esta especie de depravados y drogadictos que nos muestra Scorsese, estos hombres que en realidad no se toman la vida tan en serio exceptuando cuando de conseguir dinero se trata; a pesar de esto no creo que haya otra forma más racional y moral para mostrar y hacer entender la complejidad de la vida de estas personas y mucho más si se tiene en cuenta que hasta el momento no ha habido ninguna película, ni serie de televisión sobre mafiosos (ni siquiera las de los mafiosos colombianos) con tanto contenido sexual y drogadicción lo que hace pensar por momentos que los ladrones de Wall Street resultan con mentes más retorcidas que las de Pablo Escobar, Tony Soprano, Nucky Thompson o incluso otros personajes de Scorsese como Henry Hill o Frank Costello.

La película navega entra una ensalada de géneros que afortunadamente y gracias de nuevo a la genialidad de Scorsese en ningún momento se llegan a acercar a el drama trágico acostumbrado en las películas biográficas, con algunas escenas de comedia dignas de películas como ¿Qué paso ayer? que incluso se le verían mejor a Zach Galifianakis que a Leonardo Dicaprio pero que no le quitan encanto a la película, algunos diálogos geniales con buenas cargas de humor negro que sobrepasan casi todos los diálogos en las obras de Scorsese, escenas dramáticas que no vuelven la película cursi y por supuesto actuaciones impresionantes sobre todo de sus tres protagonistas Dicaprio, Jonah Hill y Margot Robbie quien interpreta a la esposa del lobo (Scorsese).

Una película que no intenta dar valores morales, ni moralejas, que no intenta ni volver heroe ni villano a nadie, que no tiene buenos ni malos ni correctos o incorrectos, que a pesar de su sobredosis de sexo visual, de que quedo ubicada como la película en donde la palabra "fuck" se utiliza mayor número de veces en una película y de que su duración sobrepasa un poco más de las tres horas, pero que a pesar de todo esto muestra a profundidad el desdichado y poco explorado cinematógraficamente mundo del wall street, saca lo mejor y lo peor de sus personajes y sin ninguna duda nos enseña porque Scorsese  es un genio, que no le queda grande nada y por supuesto que siempre hay maneras diferentes para contar las historias.

Calificación: El lobo también vendió esta película.

El Hobbit: la desolación de Smaug: Una demasiado extensa travesía que continua (Dirección: Peter Jackson)

Peter Jackson nos lleva una vez a la maravillosa Tierra Media, un año después podemos volver a ver a Bilbo, Gandalf y los 13 enanos comandados por Thorin en su camino hacia la montaña solitaria con el fin de recuperar su hogar, su poder y sus riquezas. Dos horas y media en las cuales a diferencia de la anterior se encuentra más acción, pero al mismo tiempo con más escenas sin sentido y aclarando porque no era necesario hacer una trilogía de películas a un libro de 320 páginas como El Hobbit.

El Hobbit sin duda como en todas las cuatro películas anteriores de Peter Jackson sobre la tierra media una vez más destaca por una excelencia artística y visual indiscutible, excelentes vestuarios, maquillajes, paisajes, escenarios, claro que esta vez a diferencia de los anteriores la ayuda del retoque y los efectos digitales por supuesto que ayuda a darle más peso a esto. Sin embargo, y a pesar de esto la película resulta en algunos puntos innecesaria y aunque en ningún momento llegaré a comparar un libro con una película creo que sin duda algunos aspectos creados exclusivamente para esta película como darle más importancia, el personaje Tauriel y la inclusión de Legolas resultaron innecesarios tal vez porque poder llenar el espacio de un libro tan corto en tres películas de 2 horas y media por mucho que no se quiera se va a notar como eso, como relleno.

La película por varios momentos sorprende, las escenas de acción son impresionantes, las excelentes coreografías que nos muestran las habilidades guerreras de los enanos, la habilidad de Legolas para matar con estilo (supongo que debe hacerlo bien ya que es lo único que hace en toda la película) y las carencias de los orcos o trasgos como guerreros. Sin duda la combinación de las habilidades acrobáticas de los actores (y sus respectivos dobles) y los efectos digitales resultan más que apropiados sobre todo en escenas como la persecución en los rápidos, pero también sucede y creo que en mucha mayor magnitud en todas las escenas en las que tanto joven Bilbo como los enanos interactúan con el muy bien diseñado dragón Smaug, pero sobre todo en las escenas solitarias de Bilbo con el dragón, en donde los diálogos son excelentes y la tensión de la escena no tiene desperdicio alguno. Las ingeniosas estrategias de los enanos tanto en la cueva como en los rápidos nos permite verlos como héroes y cada movimiento de ellos resulta ser una maravilla. Lastimosamente mucho de este heroísmo es gracias al anillo de Bilbo, ese anillo que le da el poder de la invisibilidad y que sólo lo usa cuando al guion lo conviene a pesar de la gran cantidad de momentos en donde su uso sea casi obligatorio y no lo hace.

Sin embargo, muchos momentos quedan arruinados por la gran cantidad de escenas de relleno que la película posee incluido el plan para derrotar a el dragón que aunque exitoso por dar paso a un muy apropiado final de la película no sirve para absolutamente nada, el papel de Legolas que pasa de una pequeña aparición a un papel principal que se oscila entre guerrero Rambo inmortal y figura perdedora de un triángulo amoroso bizarro, pero Legolas no es el personaje que sobra, al parecer Gandalf también lo hace y su participación es sin duda por muchos momentos la más innecesaria y sin sentido de la película.

Tauriel la dama guerrera élfica que se encierra en un extraño triángulo amoroso entre Legolas y Kíli que de cierta forma no tendría sentido en la cabeza del autor de los libros J.R.R. Tolkien, pero que sin embargo resulta bastante apropiado para fines cinematográficos, lastimosamente sería más apropiado y más memorable si Tauriel no luciera todo el tiempo como una sombra de Arwen de El Señor de los anillos, por supuesto que no es la única ya que el humano Bardo parece una sombra de Aragorn y el asistente del rey parece una sombra de Gríma-Lengua de Serpiente.

Es una buena y entretenida película lamentablemente como la anterior no es ni la sobra de lo que fue la saga de El Señor de los anillos y para los amantes del libro debe ser un error completo de película, sin embargo vale la pena verla para divertirse con las buenas escenas de acción, con los momentos graciosos que la película tiene, y con los buenos efectos y la enorme riqueza artística que tiene, los momentos de relleno de la película a veces resultan tolerables pero si la película no cargara ese gran nombre que tiene seguramente pasaría en mi mente como una más sin embargo La Tierra Media, Peter Jackson y J.R.R. Tolkien siempre tendrán una oportunidad más.

Mi Calificación: 3 estrellas y media (Sobre 4)

Wadjda (Una sociedad vista por los ojos de la inocencia) (Dirección: Haifaa al-Mansour)

A sus once años de edad Wadjda se convierte en la perfecta personificación de la sociedad Saudi, una sociedad que ante nuestros ojos occidentales parece más una película de ciencia ficción que un drama social y realista ya que Wadjda la obra de la directora saudita Haifaa al-Mansour no es sólo el primer largometraje realizado en Arabia Saudita sino que además es una observación con lupa de la sociedad Saudi la cual se aleja de nuestras realidades incluso más de lo que nuestros imaginarios y los medios a los que tenemos acceso siempre nos han dicho.

Wadjda narra la vida de una pequeña niña que fácilmente empatiza con el espectador por su inteligencia y su forma distinta de pensar pero sobre todo por su constante lucha por su pequeño y sencillo sueño de tener una bicicleta, un sueño que implica enfrentarse a una sociedad que desde los primeros minutos la misma película nos hace despreciar. Afortunadamente esta película es observada desde los ojos de la mujeres tanto Wadjda quien tiene un sueño que sobrepasa a una sociedad marginal como su madre que tiene que luchar para que su esposo se fije en ella y continué con una relación monogamica con ella; todo esto nos permite sentir y ver las capas de machismo, de intolerancia y de desacuerdo que siempre ha sido muy bien guardado.

Ver Wadjda es ver una de las más grandes críticas a la sociedad Saudi que tal vez se hayan hecho o por lo menos una de las críticas con mayor trascendencia internacional que hay hasta ahora, a pesar de no ser una gran historia de que en algún punto el final se vuelve predecible y de que en cuestiones técnicas no se está viendo una obra de arte, sin embargo los mismos aciertos de actuación, los aciertos en los diálogos y en los pequeños detalles de la película (que parecen no tener importancia argumental pero sin duda si tienen importancia crítica hacia la sociedad saudita) que muchas veces parecen irrisorios como el de tener el Corán cerrado para que no sea escupido por el diablo, nos hacen creernos y entender el día a día de los personajes y comprender casi a perfección las desilusiones que habitan en su mente.

Vale la pena ver esta película, para entender un mundo en el que habitamos y que al igual que los hombres de esta guardamos total indiferencia hacia esta sociedad, vale la pena verla para enamorarnos de Wadjda de su ingenio e inteligencia, vale la pena verla para conocer una parte de nuestro mundo, vale la pena verla para disfrutar una película que ante nuestros ojos parece de extraterrestres pero ante nuestros corazones sin duda es de seres humanos por muchos momentos más humanos que nosotros mismos.

Mi Calificación: 3 estrellas y media (Sobre 4)

Este Fin de Semana Viaje al Espacio

Este Fin de Semana

 Viaje al Espacio

Invita:  Gravity

Por Eliud R.

Gravity del Director Mexicano Alfonso Cuarón apenas si se estrena y ya es una de las favorita a los premios Oscars del 2014, Gravity es un viaje completo al espacio, nos sumerge tanto en la puesta en escena que la silla del cine necesitara un cinturón de seguridad con el logo de la NASA en el, para ver como  2 astronautas (Sandra Bullok y George Clooney) luchan por sobrevivir al  efecto Kessler.

El director Alfonso Cuarón es famoso por uno de los planos secuencia mas elaborados en la historia del cine con su  película “Hijos de los hombres” (2006) y en esta vez se supera así mismo porque los movimientos de cámara son una maravilla técnica y estética, la tensión de los personajes la logramos sentir totalmente gracias a que la cámara y la fotografía nos meten dentro de sus encuadres y nos  maravillan con escenas del espacio que no se habían visto nunca antes y que aconsejo ver en 3d o 4d.

Gravity tiene un desnivel en su forma y contenido siendo la forma quien prima muy por encima de la historia que nos narra, sin que la historia sea débil o floja, Sandra Bullock y George Clooney hacen un excelente trabajo. Aunque varias actrices como Angelina Jolie y Natalie Portman fueron candidatas, el trabajo de Bullock es impecable, tuvo una preparación bajo el agua de 6 meses y no solo tuvo que memorizar diálogos, si no movimientos corporales que bailan al compás de la cámara y de una banda sonora que nos recuerda que la música es mas persuasiva que el lenguaje , la historia entonces es una lucha continua de “Hombre vs naturaleza” que dura lo que tiene que durar, la película tiene un montaje exacto que no se excede en tiempos o se queda corto, así que no se quede ahí sentado, el director de fotografía Emmanuel Lubezki y el compositor Steven Price han preparado lo mejor para usted, ¿Porqué quedarse un Domingo en casa si puede viajar al espacio por 90 minutos?

DON CA de Patricia Ayala (por Eliud Ramirez)

 DON CA

Un nombre corto 

que dice mucho..

Don Ca es la opera prima de la realizadora Patricia Ayala, se trata de un documental de retrato, que cuenta la vida un peculiar personaje en el pacifico Colombiano, Don Ca es además una película obligatoria para aquellos que creen que ..”todo el cine Colombiano es igual”.  

Cuando un Documental gira alrededor de un personaje, en realidad estamos viendo su vida para entender algo mas grande que él, algo que nos afecta a todos y en este caso ese algo es una cuestión de destino,  ya que Don Ca es una persona perteneciente a una familia con los recursos necesarios para ponerlo en el mapa de una importante empresa o quizás en un puesto político, pero Don Ca (Camilo Arroyo Arboleda) es un personaje que a pesar de tener todas esas posibilidades, escogió una vida con una total libertad , sin horarios de oficinas, trancones, estrés y donde las juntas mas importantes se realizan en un rio donde todos los jóvenes llegan a darse un buen chapuzón.

Hay una frase del dramaturgo Franz G. Que dice “Las cadenas de la esclavitud solamente atan las manos: es la mente lo que hace al hombre libre o esclavo” Don Ca es un hombre realizado en su concepto propio de realización, nos hace entender que el desarrollo no son altos edificios, si no altas conciencias, que aunque a veces exista una creencia de falsa libertad, el medio cultural que nos envuelve dicta ciertas reglas que nos esclavizan sin necesidad de cadenas; Don Ca es un documental con un montaje limpio y connotativo, de una gran factura, la fotografía y el arte mismo lo ponen muy por encima de muchos documentales realizados en nuestro país, aunque ya esta saliendo de cartelera les recomiendo seguirle la pista para que sientan como ver a fondo la vida de alguien a través de una película es como ir adquiriendo vidas extras; quizás lo único que tiene de discutible este buen documental, es que sus puntos de giro no son lo suficientemente acentuados para hacerlo mas contundente, sin embargo su dramaturgia esta bellamente confeccionada, así que no deje de echarle un vistazo a la vida de Don Camilo, y sobre todo a futuros trabajos de esta directora, que promete mucho en  la misión de elevar el Cine Colombiano.